Cannes se ha convertido esta semana en la capital mundial del cine durante doce días, con su habitual mezcla de cine y estrellas y con una alfombra roja por la que pasarán Scarlett Johansson, Adam Driver, Peter Jackson, Cate Blanchett, Barbra Streisand, Gillian Anderson o Demi Moore.
La actriz que dio vida a la mítica Dana Scully en Expediente X presenta en el Festival de Cannes Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, dirigida por Jane Schoenbrun, un título divertido que avanza lo que ofrece un filme del que se está hablando mucho y que promete terror, sangre y risas.
Anderson participó este miércoles en la alfombra roja del estreno de la película francesa La Vie d'une femme, donde dio una lección de estilo y demostró una vez más que es una de las mujeres más deseadas de Hollywood a sus 57 años. La actriz escogió un vestido blanco customizado de Miu Miu con ribetes de cristales.
Otra leyenda de la meca del cine, Demi Moore, forma parte del jurado oficial junto a la actriz Ruth Negga, la directora Chloé Zhao, el actor Stellan Skarsgård o el director chileno Diego Céspedes. Moore, nominada al Oscar y productora, ya vio cómo la película La sustancia, en la que era protagonista, se hizo con el premio al mejor guion en Cannes en 2024.
En la jornada del miércoles volvió a captar la atención de los fotógrafos posando con un vestido vaporoso de manga larga y una espectacular cola. La estrella de Ghost lució piernas con una atrevida abertura hasta el muslo y realzó su figura con un par de altísimos tacones de aguja a juego.
La actriz habló el primer día de la "maravillosa experiencia" que supone estar en Cannes y que conoce de visitas anteriores al festival. "Estar rodeada de cine, del amor por el cine, de la alegría de sumergirme en él y de estar con quienes comparten esa pasión es una verdadera alegría (...) Me siento tremendamente honrada y muy emocionada. Me siento como un niño pequeño jugando a ser adulto", agregó.

El Festival de Cannes se sabe importante, capital, y disfruta desplegándose como historia viva del cine. Incluso en ediciones como la presente, que ha sido cuestionada por rechazar a la industria americana, en favor de una parrilla de producciones europeas de lo más potente. Pasarán por la Croisette cineastas de la talla de Cristian Mungiu, Pawel Pawlikowski, Ira Sachs, László Nemes, o los japoneses Hirokazu Kore-eda y Ryusuke Hamaguchi, ambos coproduciendo con Francia.
Al subir al escenario para declarar la 79ª edición del Festival junto a Gong Li, Jane Fonda apelaba a la urgencia de las voces políticas, también desde el cine: "Creo en el poder de las voces. Voces en la pantalla, voces fuera de ella y, definitivamente, voces en la calle; sobre todo ahora. El cine siempre ha sido un acto de resistencia porque contamos historias, y las historias son lo que conforma una civilización: historias que despiertan empatía por los marginados, que nos permiten sentir más allá de nuestras diferencias".
Unas horas antes, Park Chan-wook seguía a su compañera de Jurado, Demi Moore, con una defensa férrea -tan férrea como dejaba intuir el traductor del coreano del cineasta tras No hay otra opción- de lo indisociable de la ética y la estética a través de la escritura personal: "El arte y la política no son conceptos que entren en conflicto; siempre que haya una expresión artística, ambos tienen valor".
Un alegato de la primera persona como la solución última a todos los debates arte-política, que la protagonista de Algunos hombres buenos o La sustancia luego remataba opinando sobre la actualidad tecnológica, no sin dudar. "La inteligencia artificial ya está aquí, así que intentar combatirla es librar una batalla perdida. Por eso, creo que buscar formas de colaborar con ella es un camino mucho más útil".
Y continuaba: "No hay nada que temer, porque lo que la tecnología nunca podrá reemplazar es el origen del verdadero arte: este no nace de lo físico, sino del alma". Después Paul Laverty, sentado en la misma mesa pero mucho más a la izquierda -literal y figurada- recordaba la necesidad de parar los pies a los "tech bros, magnates multimillonarios y que, en su mayoría, son libertarios de derechas" que las controlan.
El tiroteo de declaraciones a bocajarro de la tarde cubría fantasmal la gala inaugural, como siempre en Cannes marcada por un guion repleto de pullitas a las redes sociales y a los "peros" de la prensa acreditada. Incluso la justificación de la Palma de Oro de Honor se vivió como una suerte de posicionamiento político.
Del homenajeado Peter Jackson se subrayaba, antes que nada, cómo hizo su primera película -Mal gusto, en 1987- con una camarita barata y secuestrando el horno de sus padres para fabricar máscaras de alienígena caseras. "Artesano" y "con mucho corazón" a pesar de la envergadura que tomaría su carrera posterior, Jackson parece el premiado perfecto para acallar cualquier sospecha de colaboracionismo con la IA o las big tech, a pesar de que ayer tarde pasearon por delante de la alfombra roja dos robots de la firma francesa ERM.
En cualquier caso, el encuentro entre Jackson y el Frodo de la saga del Anillo, Elijah Wood, fue de lo más divertido de la velada. El director apeló a los 27 años de amistad con Wood, durante los cuales el actor prácticamente no ha cambiado físicamente, aunque bromeaba: "Se ha dejado crecer un poco de bigotito. Si alguien hace una nueva versión de Lo que el viento se llevó, ese podría ser tu papel".
Jackson, quien reconocía la sorpresa cuando le comunicaron el premio honorífico ("Mi cine no ha sido nunca muy de Cannes"), aprovechó para recordar sus dos visitas al evento. La primera sirvió para vender Mal Gusto en el Marché du Film, donde consiguió venderla a quince países ("Entré siendo un cinéfilo y salí siendo un cineasta"), y durante la segunda, en 2001, fue para proyectar los veinte primeros minutos de La comunidad del anillo ante la crítica.
"Habíamos rodado El Señor de los Anillos durante tres años, y rodamos las tres películas al mismo tiempo. Y la prensa estaba un poco rara; fue una época extraña porque Warner estaba en proceso de venta. Sí, todo lo que va, vuelve. Así que todos los periodistas hablaban de 'esta gran locura'. '¿Qué pasa si la primera película fracasa? ¿Qué van a hacer con la segunda y la tercera si ya están terminadas?'", explicaba. "Todos los medios decían que esa apuesta iba a salir mal". "El resto", confesaba entre dientes, "es historia".

Nadie duda que Meryl Streep es astuta. La legendaria actriz de Hollywood ha asegurado una carrera impecable a lo largo de sus muchos años como actriz, y con ello su sola presencia es capaz de hacer resonar cualquier película en la que aparezca. Bien lo sabía de cara a 'El diablo viste de Prada 2', para la cual tuvo una condición especial si el estudio quería que regresase: negociar el salario con sus compañeras presentes.
Por mucho que en la película Miranda Prestley sea la reina absoluta de la moda, la actriz no iba a dejar que sus subordinadas se quedaran como tal en la vida real. En un artículo reciente, varias fuentes relacionadas con Streep han revelado que exigió que Anne Hathaway y Emily Blunt estuvieran con ella en la sala de reuniones cuando 20th Century negoció el precio de su vuelta. Así podría asegurar que recibirían el mismo trato que ella en las negociaciones.
Así es como logró cerrar un trato de 12,5 millones de dólares a modo de cheque para cada una de las tres actrices protagonistas. Un trato redondo para todas las partes implicadas, pero esto es sólo el salario inicial. La negociación incluyó un bonus en relación al éxito de la película en taquilla, con lo que cada una de ellas podría recibir fácilmente 20 millones de dólares, según la estimación de algunas de las fuentes.
Es un trato que parece que va a cumplirse. La secuela conquistó la taquilla de EEUU durante su semana de estreno, demostrando el hambre que había por parte de la audiencia de continuar la historia del mundo de la moda veinte años después de la original.
Con semejantes cheques garantizados, cualquiera de las tres actrices podría retirarse tras la película. No significa, ni de lejos, que vayan a hacerlo. Sin ir más lejos, Hathaway prepara para el futuro una tercera entrega de 'Princesa por sorpresa'. Eso sí, no será pronto: la secuela tiene luz verde, pero las cosas de palacio van siempre despacio. Podría ser su siguiente gran papel, pero a falta de una fecha de estreno en el horizonte, tendremos que exprimir su vuelta como Andrea Sachs.

Matt Shakman, el cineasta detrás de Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, podría no repetir en la secuela. Y la razón tiene nombre propio: El Planeta de los simios.
Cuando Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos llegó a los cines, el debate sobre si había funcionado o no se instaló rápido en el fandom. La película recaudó 521 millones de dólares en todo el mundo, una cifra que sobre el papel suena bien, pero que pierde brillo cuando se pone junto a su presupuesto: 220 millones de dólares.
No es un fracaso, pero tampoco es la explosión que Marvel esperaba para su Primera Familia. Aun así, el estudio no ha tirado la toalla con la saga, y ya hay planes en marcha para seguir adelante. El problema es que esos planes podrían quedarse sin el arquitecto que construyó el primer capítulo.
Esta semana se confirmó que Matt Shakman será el director de la próxima entrega de El Planeta de los Simios para 20th Century Studios. Una oportunidad enorme, un proyecto de peso, y una señal que muchos han leído entre líneas.
Porque aunque los comunicados oficiales no decían nada concreto sobre su futuro con Marvel, Jeff Sneider, periodista con un historial fiable en este tipo de filtraciones, ha dejado caer que Shakman no estará detrás de la cámara en la secuela de Los Cuatro Fantásticos.
"Marvel Studios no ha confirmado ninguna secuela, ningún director y ningún calendario. Lo que sí se sabe es que el estudio confiaba en que Shakman volviera, y que hubo conversaciones en esa dirección. La teoría interna era que, tras la aparición de los Cuatro Fantásticos en Vengadores: Doomsday, el público generalista conectaría más con los personajes y la segunda película tendría más recorrido comercial".
Un plan que tiene su lógica, pero que ahora se complica si el director que dio vida a ese universo retro-futurista de los años 60 decide seguir su camino por otro lado
Mientras se resuelve el puzzle de la dirección, los cuatro héroes de Marvel tienen compromisos firmados. Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm volverán a la pantalla grande en Vengadores: Doomsday, que llegará a los cines en diciembre de 2026. Y si todo va según lo previsto, también estarán presentes en Vengadores: Secret Wars, cuyo estreno está fijado para diciembre de 2027.
Dos apariciones en eventos masivos del MCU que, en teoría, deberían preparar el terreno para que una hipotética secuela propia tenga más fuerza. El elenco, eso sí, no cambia: Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como Johnny Storm y Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm.
Uno de los grandes aciertos de Primeros Pasos fue precisamente su casting. Pascal lleva dos años siendo el favorito de medio internet gracias a The Last of Us y The Mandalorian, y verlo como Mr. Fantástico resultó más natural de lo que muchos esperaban. Kirby aportó una Sue Storm con peso dramático real, Quinn trajo la energía caótica perfecta para la Antorcha Humana, y Moss-Bachrach convenció como La Cosa tras años demostrando su valía en The Bear. Ese cuarteto funciona. La pregunta es quién les dirigirá la próxima vez.
Shakman llegó al proyecto con un currículum que incluía episodios de WandaVision de Disney+, lo que le convertía en alguien que ya entendía el tono particular que Marvel quería para esta familia. La apuesta por una estética de los 60, el retrofuturismo como lenguaje visual, la amenaza cósmica de Galactus interpretado por Ralph Ineson, y la enigmática Surfista de Plata de Julia Garner fueron decisiones que dieron a Primeros Pasos una personalidad diferente dentro del MCU. Perder esa visión en la secuela no es un detalle menor.
Buscar un nuevo director para Los Cuatro Fantásticos 2 no es como fichar a alguien para una película de acción genérica. Quien tome el relevo tendrá que entender el tono retro, mantener la coherencia con lo establecido, y al mismo tiempo aportar algo fresco que justifique su presencia. Es un encargo complicado, y Marvel lo sabe.
De momento, ni nombres ni rumores sólidos. El estudio tiene tiempo, una secuela, si se confirma, difícilmente llegaría antes de 2028 o 2029, pero la incertidumbre en torno a la dirección creativa de la saga no ayuda a generar expectativas. Los fans que disfrutaron del primer filme tienen razones para estar algo inquietos, y los escépticos tienen nuevos argumentos para seguir siéndolo.

La Riviera Maya volvió a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro de la industria audiovisual iberoamericana con la realización de la 13° edición de los Premios Platino. La ceremonia se desarrolló en el Teatro Gran Tlachco, dentro del Parque Xcaret, en México. Allí se reunieron figuras destacadas del cine, la televisión y la música de habla hispana y portuguesa.
Carlos Torres y Cayetana Guillén Cuervo condujeron una gala marcada por los homenajes, la música en vivo y las premiaciones a las producciones más destacadas del último año.
El momento más importante de la noche llegó cuando Enrique Cerezo entregó el Premio de Honor a Guillermo Francella. El reconocimiento destacó su extensa trayectoria y su influencia dentro de la industria audiovisual latinoamericana.
Los presentes ovacionaron a Francella por una carrera que atravesó distintas generaciones y géneros. El actor logró destacarse tanto en la comedia popular como en producciones dramáticas de proyección internacional. Entre sus trabajos más reconocidos aparecen El secreto de sus ojos y la serie El encargado, uno de los mayores éxitos recientes de la televisión argentina.
La ceremonia también tuvo una fuerte presencia musical. María Becerra fue una de las artistas destacadas de la noche y compartió escenario con Camilo y el español Manuel Carrasco.
Con representantes de distintos países y estilos musicales, los Premios Platino volvieron a consolidarse como uno de los principales espacios de encuentro cultural entre España, Portugal y América Latina.

Aunque no tiene "pruebas", Javier Bardem está convencido de que ha perdido varios proyectos en Hollywood por apoyar a Palestina. Una postura que, además de en sucesivas declaraciones, el actor español puso de manifiesto de forma contundente en la última gala de los Oscar. Y lo hizo pese a ser consciente de que, como ha sucedido con otros colegas de profesión, su denuncia del "genocidio" perpetrado por Israel en Gaza, podría acarrearle consecuencias negativas para su carrera. "Eso te dice lo mal que está el sistema", denuncia.
"Siempre he sentido que tengo micrófonos y grabadoras registrando mi voz, y tengo derecho a denunciar lo que considero incorrecto", ha afirmado el actor en una entrevista en la que ha reflexionado sobre las posibles repercusiones en Hollywood por alzar la voz en apoyo a Palestina.
En este punto se ha referido específicamente al caso de Susan Sarandon, que fue despedida por su agente tras criticar la ofensiva israelí en Gaza. "Eso te dice lo mal que está el sistema. Ella fue una de las primeras en hacerlo. Y luego recibió ese castigo profesional", ha afirmado en relación al caso de la también oscarizada actriz de Thelma y Louise.
Bardem también dice haber sido objeto de ese veto profesional por mostrar su apoyo a Gaza. "Sí. He escuchado cosas: 'Te iban a llamar para ese proyecto, pero ya no'. 'Esta marca te iba a pedir una campaña, pero ya no pueden'", ha revelado. "Está bien. Vivo en España. Los estudios estadounidenses no son lo único que hay", añade el actor.
"Algunas personas pueden ponerte en una lista negra. No puedo decirte si eso es verdad o no. No tengo pruebas. Lo que sí sé con certeza es que hay gente nueva que te llama porque quiere contar contigo en sus proyectos", ha afirmado Bardem que cree que esto es una señala de que "la narrativa que han estado usando durante tanto tiempo está cambiando".
Después de todo, dice, esperaba ser abucheado en los Premios Oscar 2026 pero, destaca, en lugar de eso "la reacción en el teatro fue una ovación". En la gala, el actor de No es país para viejos volvió a reafirmar su postura sobre el conflicto en Oriente Medio cuando subió al escenario con la actriz Priyanka Chopra para entregar el galardón a mejor película internacional a Valor sentimental. Lo hizo luciendo una chapa con el lema "no a la guerra" y otra con el dibujo de Handala, un niño que simboliza la lucha del pueblo palestino contra la ocupación israelí.
A pesar de poder haber perdido algunos papeles debido a su carácter activista, Bardem sigue ligado a proyectos muy potentes en Hollywood y volverá a interpretar a Stilgar, el líder de la tribu fremen de la saga Dune. Un papel que retomará en la tercera entrega, Dune: Messiah, que, de nuevo dirigida por Denis Villeneuve, llegará a los cines en diciembre.

George Clooney celebra 65 años. El que fue el soltero de oro por excelencia de Hollywood es hoy un marido y padre feliz de mellizos gracias a Amal Alamuddin, la mujer que logró lo que parecía imposible y dio un giro radical a su vida. En los dorados años 90, Clooney era el soltero más codiciado de la Meca del cine, un galán irresistible y divertido que llegó a apostar 10.000 dólares (8.500 euros) con Nicole Kidman y Michelle Pfeiffer a que no volvería a casarse ni tendría hijos antes de los 40. Ganó la apuesta y recibió el cheque dorado, sin embargo a partir de los 50, la vida tenía otros planes para él. 
"No tenía intención de volver a casarme, pero me enamoré locamente", confiesa el atractivo ganador de dos Oscar, que jamás imaginó que volvería a casarse tras su boda fugaz en Las Vegas con Talia Balsam. Pero el karma le jugó una buena pasada tras burlarse infinitamente de Brad Pitt por tener tantos hijos con Angelina Jolie: "Vente a mi villa sin los 15 niños", le decía al Brad, pero George también acabó formando su propia familia. "Yo no quería tener hijos. Y tenemos hijos. Todo cambió porque conocí a esta persona increíble", dijo, refiriéndose a la abogada libanesa de la que se enamoró en una cena en su casa del Lago Como (Italia).
Nacido el 6 de mayo de 1961 en Lexington, Kentucky, George Timothy Clooney, como es su nombre real,  cumple 65 años sin intención de retirarse y habiendo logrado el récord histórico de nominaciones en seis categorías diferentes en los Oscar, un hito compartido solo con Walt Disney y Alfonso Cuarón. 
Su trayectoria comenzó con una serie de trabajos humildes en su juventud - vendedor de zapatos, cortador de tabaco y albañil de la construcción- a una carrera estelar con la que ha logrado una fortuna estimada en más de 500 millones de dólares, según el sitio especializado Celebrity Net Worth.  
Hijo de una reina de la belleza -Miss Lexington-  y de un presentador de televisión, trabajó sin descanso para hacerse un hueco en la interpretación hasta convertirse en el Dr. Doug Ross, el médico más atractivo de Urgencias.
El hombre más sexy del planeta, titulo que llegó a ganar hasta en dos ocasiones en la revista People, no solo posee atractivo sino un carisma, una simpatía y un sentido del humor que han cautivado al público mundial. Después de una serie de trabajos precarios, pronto se dio cuenta de su verdadera vocación: la interpretación. Llegó a vivir durante meses en el vestidor de un amigo en Los Ángeles para perseguir su sueño de ser actor. 
Aunque trabajó en series de prestigio como Las chicas de oro, Se ha escrito un crimen, Mira quién habla o Roseanne, la fama internacional le llegó con su papel del doctor Doug Ross en Urgencias, con el que logró estar nominado varias veces al Emmy. Su primer papel protagonista le llegó en 1996, en el filme de Robert Rodríguez Abierto hasta el amanecer. A partir de entonces vinieron otros títulos como Batman & Robin, El pacificador o La delgada línea roja. Se inició en la dirección con Confesiones de una mente peligrosa, protagoniza multitud de películas como Buenas noches y buena suerte o la saga Ocean's  y en 2006 gana su primer Oscar a mejor actor de reparto por Syriana. Su segunda estatuilla dorada llegaría años después, en 2013, cuando Argo ganó el premio a la mejor película y ganó el Oscar como productor junto a Ben Affleck. 
Antes de conocer a Amal, George Clooney tenía fama de conquistador por sus romances con estrellas el mundo del cine y el entretenimiento. Clooney solía bromear con que su relación más duradera había sido con su cerdo vietnamita Max, su compañero fiel durante 18 años y la mascota que le regaló Kelly Preston en 1988, cuando eran pareja.
Sin embargo, todo cambió cuando conoció en 2013 a Amal Alamuddin, la abogada libanesa cuya belleza e inteligencia deslumbró a Clooney en una cena celebrada en su villa del lago Como. El flechazo fue instantáneo y en seis meses llegaron a comprometerse y en septiembre de 2014 se casaron en una boda de ensueño en Venecia. Tres años después, formaron una familia con la llegada de los mellizos Ella y Alexander, cambiando por completo su imagen de seductor por la de un marido y padre entregado. Su admiración por Amal es absoluta: "No estar casado con ella habría sido un desastre", confesó en una entrevista.
Sus hijos Alexander y Ella, nacidos el 6 de junio de 2017, son su verdadera debilidad, y ha decidido proteger todo lo que pueda su privacidad, ya que tiene claro que ser hijo de una estrella de Hollywood no es tarea fácil. De hecho, fue un factor a tener en cuenta a la hora de elegir sus nombres. "No quería nombres raros para nuestros hijos; ya van a tener suficientes problemas por ser hijos de alguien famoso y con éxito", explicó, dando prioridad así una infancia lo más normal posible y lejos del foco mediático. 
Por eso, tanto él como su esposa han implementado medidas estrictas: confiscan los móviles de las visitas en casa para evitar fotos, rechazan cualquier imagen pública de los mellizos y han pedido que no se difundan fotos de ellos por seguridad, dada la labor de Amal como abogada de derechos humanos implicada en casos de alto riesgo.
A punto de cumplir 9 años, Ella y Alexander son dos niños "inteligentes y divertidos", que crecen en un entorno rural como es su viñedo en Francia, donde la familia ha huido del glamour de Hollywood en busca de una vida relajada y tranquila en el sur de Francia. Residen en la finca Domaine du Canadel cerca de Brignoles, en la Provenza, una antigua bodega del siglo XVIII comprada por unos 7,7 millones de euros que reconvirtieron en residencia rural. Clooney y Amal disfrutan de una rutina discreta y sencilla en el campo, donde han encontrado la clave de la felicidad.  
Su residencia en Francia permite a los niños dominar el francés. Además, hablan inglés e italiano con fluidez, y alternan estancias en el Reino Unido -donde nacieron- y la villa del Lago Como, cuna del romance de sus padres. A pesar de que tener su base fijada en la Provenza y haber sido logrado la ciudadanía francesa desde finales de 2025, George viaja con frecuencia a Estados Unidos para cumplir con sus compromisos profesionales, que han permitido al actor acumular un patrimonio superior a los 500 millones de dólares, convirtiéndolo en uno de los actores más poderosos del planeta.  

Christopher Nolan todavía no ha estrenado La Odisea y ya tiene a medio internet discutiendo sobre armaduras, barcos vikingos y diálogos demasiado modernos para una historia ambientada en la Grecia de la Edad del Bronce.
Lo curioso es que la polémica no gira alrededor del reparto de lujo encabezado por Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway o Robert Pattinson, sino sobre algo mucho más inesperado: la sensación de que Nolan ha transformado el poema épico de Homero en una fantasía oscura demasiado cercana al cine moderno.
Entre todas las discusiones que ha generado el nuevo tráiler de La Odisea, hay un elemento que sí parece haber unido a casi todo el público: Robert Pattinson. El actor aparece interpretando a uno de los pretendientes de Ítaca y apenas necesita unos segundos en pantalla para convertirse en lo más comentado del avance.
La manera en la que habla, la arrogancia del personaje y esa energía casi venenosa que desprende han provocado una avalancha de comentarios en redes sociales. Muchos espectadores ya comparan su presencia con algunos de sus papeles más intensos y no son pocos los que creen que podría acabar siendo el gran roba escenas de la película.
Durante las últimas horas mucha gente ha resumido el debate diciendo que los fans están molestos porque La Odisea "no es históricamente precisa". 
La mayoría de críticas no van dirigidas a que Nolan se tome licencias creativas. El verdadero problema para muchos espectadores es que la película parece visualmente demasiado genérica para representar una de las civilizaciones más fascinantes de la Antigüedad.
El ejemplo más repetido es el diseño de las armaduras. Algunos personajes llevan equipamientos oscuros y estilizados que recuerdan más a una película de fantasía moderna o incluso a Batman que a la Grecia micénica del siglo XIII a.C. Hay usuarios que directamente comparan la armadura de Agamenón con un traje sacado de Gotham.
La crítica más interesante alrededor de La Odisea tiene que ver con cómo Hollywood representa la Edad del Bronce. Mucha gente asocia automáticamente la Antigüedad con colores apagados, piedra gris y vestimentas marrones porque el cine lleva décadas enseñándonos ese imaginario. Sin embargo, históricamente ocurre justo lo contrario.
Las culturas micénicas utilizaban bronce brillante, decoraciones elaboradas, tejidos teñidos y elementos ornamentales muy llamativos. La Grecia de Homero no era un mundo oscuro y desaturado. Era un lugar lleno de color, comercio marítimo y símbolos de poder.
Por eso tantos aficionados han señalado que el tráiler de La Odisea parece olvidar esa identidad visual. 
Lo más curioso es que esta crítica no llega solo desde historiadores obsesionados con la precisión absoluta. También viene de jugadores, ilustradores y amantes de la fantasía épica que simplemente esperaban algo más espectacular y distintivo.
También se han viralizado ilustraciones de artistas especializados en recreaciones históricas de la Edad del Bronce, mostrando cómo podría haberse visto una versión más colorida y ceremonial de La Odisea.
Y aquí aparece una cuestión importante: la polémica no nace porque el público quiera un documental arqueológico. Lo que muchos espectadores esperaban era una película capaz de capturar la sensación mitológica y grandiosa del poema de Homero sin caer en esa estética gris y homogénea que domina buena parte del blockbuster actual.
Pero Nolan parece perseguir exactamente lo contrario. Quiere que La Odisea se sienta cercana al espectador moderno. De hecho, el propio director llegó a comparar el poema de Homero con el universo Marvel, afirmando que aquellas historias eran "el Marvel de su época". Y esa frase explica probablemente toda la filosofía detrás de esta adaptación.
Ahora queda por ver si toda esta polémica acabará jugando a favor de la película o si parte del público sentirá que el director se ha alejado demasiado del espíritu original del viaje de Odiseo (Ulises).
Lo único claro es que, después de este tráiler, La Odisea ya no es solo una adaptación de Homero. Se ha convertido en una batalla entre la visión moderna de Christopher Nolan y la imagen épica que generaciones enteras tenían grabada en la cabeza desde hace años.

El próximo live action de Disney va tomando forma. El actor Diego Luna interpretará en la película un papel aún por desvelar.
El actor es principalmente conocido por su paso en la franquicia de Star Wars, pero ha dejado su marca en muchos más sitios. Por ejemplo, fue una figura central en la serie 'Narcos: México', o incluso llegó a trabajar como actor de doblaje en películas de animación como 'El libro de la vida'. Ahora ha dado la vuelta completa a su carrera y no pondrá su voz para una película animada de Disney, pero sí tendrá uno de los papeles más destacados en el remake de uno de sus clásicos.
El trío de los papeles principales ya está cubierto. Teagan Croft interpretará a Rapunzel, protagonista indiscutible de la historia y en quien se basa el cuento original. Milo Manheim será Flynn Rider, el bandido a la par que salvador de princesas que sirve como interés amoroso central. Por último Kathryn Hahn será Madre Gothel, la gran villana de la trama con una trama acerca de parentesco tóxico y abusivo.
La apuesta de Disney por hacer los remakes de sus películas de animación no parece que vaya a frenar pronto. 'Lilo y Stitch', el último caso estrenado en cines, tuvo un éxito que sigue incluso fuera de las salas. Para este 2026 preparan el estreno de 'Vaiana', que estrenó tráiler hace pocas semanas. 

El Diablo viste a la moda 2 recaudó 77 millones de dólares en su primer fin de semana en los Estados Unidos (la película original de 2006 había obtenido 27,5 millones), y se ubicó como el cuarto mejor estreno del año, por detrás de Michael (97,5 millones), Super Mario Galaxy: La película (131 millones) y Proyecto Fin del Mundo (80 millones). Claro que la secuela costó más de 100 millones (sin contar gastos de lanzamiento) contra 40 millones de la original.
Además, esta segunda película de la saga recaudó otros 156,6 millones de dólares en la taquilla internacional, lo que eleva los ingresos mundiales a 233,6 millones. Un arranque notable.
Cuando todavía faltan los datos de algunos complejos importantes por sumar, El Diablo viste a la moda 2 ya suma más de 520.000 espectadores en 609 salas argentinas entre los preestrenos del miércoles 29 de abril y el domingo 3 de mayo. Superó así a la biopic Michael, que en 12 días convocó a 495.000 personas.
La secuela se quedó con el 61,5% del público total en los cines nacionales y ya superó lo que el film original había vendido en todo su recorrido comercial en las salas argentinas durante 2006: 315.000 localidades.

Cuando todo apuntaba a que My Hero Academia había cerrado su historia con el emotivo episodio 170+1, la franquicia ha vuelto a dar señales de vida. Y lo ha hecho de una forma que pocos esperaban: no con una nueva temporada, no con una película, sino con un proyecto especial dedicado a uno de los personajes más queridos de toda la saga.
Se llama I Am a Hero Too, es un one-shot centrado en Eri, y tiene mucho más peso del que puede parecer a primera vista.
El final de My Hero Academia dejó un sabor agridulce con respecto a Eri. El resto del elenco recibió sus despedidas, sus cierres narrativos, sus momentos de cierre. Ella, en cambio, quedó en un segundo plano. Y eso, para un personaje que ha vivido una de las historias más duras de toda la serie, resultaba cuando menos incompleto.
I Am a Hero Too llega precisamente para corregir eso. La premisa sitúa a Eri encontrando su propio camino después de los devastadores eventos de la guerra final, y aunque suena sencillo, tiene una carga emocional considerable para quienes han seguido su trayectoria desde el arco de Overhaul.
El especial es una adaptación directa del manga My Hero Academia: Ultra Age, el one-shot más reciente de Kohei Horikoshi. En él, Eri visita U.A. para invitar a Deku a su primer concierto callejero. El problema, si es que puede llamarse así, es que el material fuente original tiene apenas cinco páginas. Una adaptación literal daría para unos cinco minutos de episodio, no para los veinticuatro que suele durar un capítulo estándar.
Aquí viene lo interesante: este proyecto no es solo un extra de temporada. Es la forma en que My Hero Academia celebra el décimo aniversario de su anime, lo que cambia bastante las expectativas sobre lo que debería ser.
El especial tiene, por tanto, la oportunidad de añadir lo que la viñeta dejó en el aire: mostrar a Eri subiendo por fin a un escenario y cantando. Un cierre emocional que los seguidores llevan tiempo esperando sin saberlo.
Si Studio Bones apuesta por expandir la historia, y todo indica que lo hará, I Am a Hero Too podría convertirse en uno de esos episodios especiales que la comunidad recuerda durante años.
Más allá de Eri y su concierto, este especial tiene una lectura industrial que merece atención. El anime principal de My Hero Academia ha concluido oficialmente, pero la franquicia está lejos de haber dicho su última palabra.
My Hero Academia: Vigilantes, el spin-off centrado en Koichi y la cultura de los héroes underground, terminó su segunda temporada en marzo de 2026 con el manga todavía a mitad de adaptar. Hay material de sobra para dos temporadas más, y aunque no hay confirmación oficial, sería llamativo que una historia tan bien recibida se quedara sin conclusión animada.
La pregunta más grande, sin embargo, es si la franquicia seguirá el modelo de Boruto con una secuela generacional. La posibilidad existe, pero parece poco probable a corto plazo. Studio Bones tiene el estudio ocupado con proyectos tan exigentes como Gachiakuta o Daemons of the Shadow Realm, y arrancar una nueva serie de My Hero Academia desde cero requeriría un esfuerzo de producción monumental.
La lectura más razonable, y la que este especial parece confirmar, es que el estudio optará por mantener viva la llama con proyectos de formato corto, especiales y posiblemente películas, mientras el ecosistema creativo madura para algo mayor. I Am a Hero Too sería el primero de esos pasos: no un final, sino una forma de decirle al público que la franquicia sigue activa y que hay cosas por contar.

Este viernes 1 de mayo, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas hizo su anuncio anual sobre las nuevas reglas de premios y las normas de promoción de la campaña para la 99ª edición de los Premios Oscar, que se celebrará el domingo 14 de marzo de 2027. Estos cambios afectan a todo, desde qué películas pueden optar al premio a Mejor Película Internacional, hasta cuántas veces un actor o actriz puede estar nominado en una categoría en un mismo año.
El cambio en la categoría de Mejor Película Internacional es el más significativo, ya que a partir de ahora no se requiere que los nominados sean presentados sí o sí por un país. Si bien cada país podrá enviar candidaturas para esta categoría a través de los Comités de Selección aprobados por la Academia, ahora se puede sumar una película en un idioma distinto al inglés si gana uno de los premios principales que se tendrán en cuenta.
Los festivales que desde ahora darán acceso al Oscar a Mejor Película Internacional son Berlín (Oso de Oro a la Mejor Película), Busan (Premio Busan a la Mejor Película), Cannes (Palma de Oro), Sundance (Gran Premio del Jurado de la competencia World Cinema), Toronto (Premio Platform) y la Mostra de Venecia (León de Oro).
Este cambio en las reglas refleja un debate más amplio sobre las candidaturas a Mejor Película Internacional, que va desde la frustración por el hecho de que la ganadora de la Palma de Oro de 2023, Anatomía de una caída, no fue elegible por no ser presentada por Francia, hasta casos recientes como el de Fue solo un accidente, que es una historia iraní, pero como su director es un disidente, solo pudo ingresar siendo presentada por un país coproductor como Francia.
Además, la película en sí misma figurará ahora como la nominada y no solo en función del país que la envía. Además, el premio será recibido por el director, que figurará en la placa en nombre del equipo creativo.
Desde esta nueva edición, por lo tanto, podremos ver a países con dos películas nominadas: una por ser la elegida de la Academia de origen y otra por haber ganado en Cannes, Venecia, Sundance, Berlín, etc. 
En otras categoría, la Academia ha modificado la redacción de algunas reglas para tener en cuenta el uso de la IA. Por ejemplo, en las de Actuación solo se considerarán elegibles los papeles aprobados en los créditos legales de la película y que hayan sido interpretados de forma demostrable por personas con su consentimiento. Y, en las categorías de Guion, las reglas estipulan que los guiones deben ser de autoría humana para ser elegibles.
En general, según las normas de elegibilidad vigentes para la Inteligencia Artificial Generativa, la Academia se reserva el derecho de solicitar más información sobre la naturaleza del uso y la autoría humana. Sin embargo, aún no se ha anunciado cómo la Academia analizará un guion para detectar el uso de IA.
Si bien estos cambios relacionados con la IA abordan dilemas modernos, la Academia también eliminó una regla que llevaba mucho tiempo vigente: un actor no podía recibir varias nominaciones en la misma categoría de actuación en un mismo año. Ahora, por ejemplo, si Robert Pattinson y Zendaya, protagonistas de The Drama, obtuvieran suficientes votos por sus próximas actuaciones en The Odyssey y Dune: Part Three para quedar entre los cinco primeros en las categorías de reparto, podrían optar a dos nominaciones cada uno.
Si esta regla hubiera estado vigente, por ejemplo, en 2009, Kate Winslet podría haber recibido dos nominaciones al Oscar a Mejor Actriz por The Reader y Revolutionary Road, en lugar de solo una, lo que en realidad podría haberle dificultado ganar, como sí lo hizo ese año por The Reader, dado que podría estar dividiendo su propio apoyo.

El universo de Avatar 4 acaba de dar un giro inesperado y mucho más ambicioso de lo que muchos esperaban. Las últimas declaraciones desde el propio reparto confirman que la película no solo ampliará Pandora, sino que abrirá una etapa completamente nueva para la franquicia.
La actriz Trinity Jo-Li Bliss, que interpreta a Tuk, ha dejado caer una de las claves más importantes de Avatar 4: el mundo de Pandora apenas ha mostrado "la punta del iceberg". Y esto no es una frase promocional más, sino una declaración que encaja perfectamente con la estrategia de James Cameron para llevar la saga a un terreno mucho más expansivo.
Tras los eventos de Avatar: Fire and Ash, donde los Na'vi lograban una victoria significativa frente a la RDA y la familia Sully encontraba cierta estabilidad, todo apuntaba a una sensación de cierre. Sin embargo, Avatar 4 rompe esa idea de forma frontal: no es una continuación directa, es un reinicio narrativo dentro de la propia historia.
El salto temporal de ocho años será clave para justificar ese cambio. No solo permitirá que los personajes evolucionen, sino que abrirá la puerta a territorios completamente nuevos dentro de Pandora, algunos ya insinuados por Cameron, como regiones desérticas, bosques boreales o incluso zonas polares que todavía no han sido exploradas en pantalla.
Este salto en el tiempo no es un simple recurso narrativo, es la base de todo lo que vendrá después en Avatar 4. Según Bliss, lo rodado hasta ahora pertenece a una etapa previa a ese cambio, lo que indica que la película estará claramente dividida en dos bloques: el cierre de una era y el inicio de otra.
Esto tiene implicancias directas en los personajes. Jake Sully y Neytiri, que han sido el eje emocional de la saga, podrían pasar a un segundo plano. En su lugar, personajes como Lo'ak, Kiri, Tuk o Spider están llamados a tomar el protagonismo real de la historia.
Este relevo generacional no solo refresca la narrativa, sino que responde a una necesidad clara: evitar que la saga se estanque en el mismo conflicto una y otra vez.
Uno de los puntos más interesantes que ha confirmado el reparto es que Avatar: The Way of Water y Avatar: Fire and Ash forman una misma historia, mientras que Avatar 4 y su continuación directa constituirán un "nuevo capítulo".
Esto cambia completamente la forma en la que hay que entender la franquicia. Ya no estamos ante una narrativa lineal tradicional, sino ante bloques narrativos diferenciados, casi como sagas dentro de la propia saga.
Desde el punto de vista editorial, esto es clave: permite a Cameron reinventar el universo sin romper con lo anterior, pero también sin quedarse atrapado en él.
A pesar del éxito en taquilla de las películas recientes, hay un tema que sobrevuela el futuro de la franquicia: el coste de producción. Avatar: Fire and Ash superó los mil millones de dólares, pero su enorme presupuesto hizo que algunos lo consideraran un rendimiento por debajo de lo esperado.
Por eso, Cameron ya ha confirmado que está trabajando en una estrategia para reducir costes sin perder espectacularidad. Este punto será determinante para que Avatar 4 no solo funcione a nivel creativo, sino también como modelo sostenible para el estudio.
No es exagerado decir que Avatar 4 es, probablemente, la entrega más importante de toda la franquicia. No porque tenga que cerrar la historia, sino porque debe demostrar que este universo todavía tiene margen para sorprender.
Si consigue introducir nuevos ecosistemas, renovar el foco en los personajes y plantear conflictos más ambiciosos, Avatar 4 puede redefinir completamente lo que significa esta saga.

Seis meses después de la muerte de Diane Keaton, una parte de su legado saldrá a subasta en una serie de cuatro citas organizadas por la casa londinense Bonhams y reunirá objetos que recorren tanto su carrera en Hollywood como su faceta más íntima y creativa
Entre los lotes más destacados se encuentra el manuscrito original, todavía sin título, del guion de Annie Hall con una valoración estimada de entre 2.000 y 3.000 dólares. La película que marcó un antes y un después en su trayectoria y por la que ganó el Oscar a mejor actriz en el año 1977. Una pieza única que deja ver cómo se gestó una de las comedias más influyentes del cine contemporáneo.
La subasta también incluye elementos muy reconocibles de su estilo personal, como su icónico sombrero bombín, valorado entre 400 y 600 dólares, o una corbata de lunares de la firma Ralph Lauren, con una estimación que ronda los 200 dólares. Estas prendas, de estética andrógina, no solo definieron su imagen pública, sino que influyeron en toda una generación y ayudaron a consolidar su figura dentro del llamado Nuevo Hollywood.
La colección revela otras facetas menos conocidas de Keaton: saldrán a la venta collages, fotografías y objetos personales que muestran su interés por la arquitectura y su vertiente creativa. A esto se suman obras de artistas como Deborah Roberts y 'Buffalos' de David Wojnarowicz, nombres que ayudan a entender el estilo y las referencias culturales de la actriz, pero que solo son aptas para unos pocos porque están valorados en hasta 35.000 dólares.
La única subasta presencial se celebrará el próximo 8 de junio en Manhattan y llevará el título de 'Diane Keaton: la arquitectura de un icono'. Las otras tres serán online: 'Diane Keaton: entallada y atemporal' (del 31 de mayo al 9 de junio, en Nueva York), 'Diane Keaton: en casa con Diane' (del 1 al 10 de junio, en Los Ángeles) y 'Diane Keaton: capítulos de una vida editada' (del 1 al 11 de junio, también en Los Ángeles).
La colección aspira a despertar interés entre quienes siguieron la trayectoria de la actriz y ven en sus objetos una forma de acercarse a su universo. Porque, como decía la propia Keaton, "los recuerdos son solo momentos que se niegan a ser ordinarios".

Las legendarias alfombras rojas que cada año marcan el sendero de las estrellas en los premios Oscar rara vez permanecen más de unas horas bajo los focos y casi nunca generan debate más allá de quienes las recorren durante la ceremonia.
Sin embargo, este año, la discusión sobre su destino posterior cobró relevancia en redes sociales después de que Paige Thalia, una tiktoker de Los Ángeles, documentó en un video cómo rescató un fragmento del tapiz directamente de un contenedor próximo al Dolby Theatre.
El relato viral generó una ola de sorpresa e indignación en línea, con cientos de usuarios que cuestionaron el desperdicio de un objeto tan representativo, utilizado solo unas horas y, aparentemente, descartado de inmediato. Esta reacción llevó a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas a explicar públicamente el destino de la alfombra tras la ceremonia.
De acuerdo con CBS News Los Angeles, la Academia declaró que el 95% de la alfombra utilizada en los Oscar se devuelve al proveedor tras el evento, mientras que el resto se dirige a procesos de reciclaje y gestión de residuos.
La mañana posterior a los Oscar, Paige Thalia (@hellopaigethalia) reveló en su cuenta de TikTok cómo halló y trasladó a su casa un fragmento de la alfombra roja de los premios, que encontró en un contenedor próximo al recinto donde se realizó la gala. Según explicó a CBS News Los Angeles, la idea surgió tras mudarse y descubrir el alto costo de las alfombras. Al pasar por el lugar después de la ceremonia, observó los rollos y solicitó permiso para tomar uno.
El video se viralizó rápidamente y superó los seis millones de visualizaciones. La usuaria señaló al mismo medio que nunca imaginó tal alcance y describió como insólita la experiencia de trasladar la alfombra por la calle. Actualmente, utiliza el fragmento en su apartamento y lo considera una anécdota singular para compartir en reuniones.
Pese a la sorpresa generalizada que generó el video, los responsables del programa de reciclaje de los Oscar afirmaron que, al menos desde hace cuatro años, el material no termina en vertederos convencionales. Rob Thiess, codirector del Programa de Gestión de Alfombras de California de CARE, informó a The Hollywood Reporter que el tapiz, tras la gala, se traslada desde el Dolby Theatre hasta el centro de reciclaje Los Angeles Fiber, en Vernon.
En este centro, la alfombra se tritura en pequeños fragmentos, lo que permite reutilizar la materia prima en hasta 125 productos diferentes, entre ellos piezas de automóviles y carcasas de computadoras.
Por su parte, Sheila Morovati, presidenta y fundadora de la organización ambiental Habits of Waste, propone alternativas previas a la trituración y el reciclaje, como donar las alfombras a escuelas u organizaciones sociales, o crear depósitos de almacenamiento similares a los que existen para vestuario, donde los tapetes puedan conservarse, limpiarse y utilizarse en futuras ocasiones.
Debbie Levin, presidenta de la Environmental Media Association, señaló al mismo medio que la opción más sensata sería el alquiler de alfombras: "No entiendo por qué alquilar una alfombra no sería la mejor opción, ya que se reutiliza constantemente. Tienen todos los colores imaginables y realmente no se necesita un logotipo en una alfombra porque no la fotografían".

Jack Nicholson, uno de los últimos grandes íconos de la era dorada de Hollywood, celebró sus 89 años fiel al estilo que adoptó en la última década: en la absoluta intimidad de su hogar. Lejos de las cámaras y de su histórica butaca en la primera fila de los partidos de los Lakers, el tres veces ganador del Oscar se dejó ver en una fotografía inédita que rápidamente dio la vuelta al mundo.
Su hija, Lorraine Nicholson, fue la encargada de romper el misterio al publicar una imagen del festejo en su cuenta de Instagram. En la foto, se ve a un Jack sonriente, aplaudiendo y disfrutando de una sala decorada con obras de arte. Luciendo una chomba oscura y un pantalón color óxido, el actor demostró que, pese al paso del tiempo, conserva esa expresión pícara que lo convirtió en un mito del cine mundial.
La aparición de Nicholson no fue la única sorpresa del posteo. Entre los invitados a la celebración se encontraba la mítica cantante Joni Mitchell, confirmando que el círculo íntimo del actor sigue compuesto por las mentes más brillantes de su generación. 
Hoy, la realidad de Nicholson es muy distinta a la de sus años de gloria en la pantalla grande. Según reveló su amigo, el productor Lou Adler, el actor prefiere la paz de su casa: "Se pasa los días sentado bajo un árbol leyendo un libro", contó recientemente. 
Su última película fue ¿Cómo saber si es amor? en 2010, y desde entonces, solo ha hecho apariciones esporádicas, como en el aniversario de Saturday Night Liveen 2023.

La Momia 4 acaba de dar un paso que dice mucho sobre la confianza que hay en el proyecto. La esperada continuación de la saga protagonizada por Brendan Fraser y Rachel Weisz llegará antes de lo previsto, adelantando su estreno varios meses y colocándose en una fecha mucho más estratégica de lo que podría parecer a simple vista.
Este movimiento no es solo una buena noticia para los fans que llevan años esperando el regreso de esta franquicia, también lanza un mensaje bastante claro sobre cómo Universal quiere posicionar La Momia 4 dentro del calendario cinematográfico. Y el cambio de fecha puede tener implicaciones importantes tanto a nivel comercial como creativo.
Según la nueva planificación, La Momia 4 llegará a los cines en octubre de 2027, adelantándose siete meses respecto a su anterior fecha prevista de mayo de 2028. Es un cambio considerable que no suele hacerse a la ligera, especialmente en producciones de este calibre.
El hueco que deja libre en mayo de 2028 ya ha sido ocupado por otro proyecto potente, Miami Vice '85, protagonizado por Austin Butler y Michael B. Jordan, lo que refuerza la idea de que este movimiento responde a una estrategia muy concreta de calendario y posicionamiento.
Pero lo interesante es que octubre no es una fecha cualquiera. Situar La Momia 4 a las puertas de Halloween encaja perfectamente con el ADN de la saga. Estamos hablando de una de las franquicias más reconocibles dentro del universo de los monstruos clásicos de Universal, así que no parece casualidad, sino una jugada bastante inteligente.
La Momia original de 1999 no solo fue un éxito de taquilla, también definió un estilo muy concreto de aventuras con toques sobrenaturales que marcó a toda una generación. La química entre Brendan Fraser y Rachel Weisz, el equilibrio entre acción, humor y terror ligero, y su estética la convirtieron en algo especial.
Las secuelas mantuvieron parte de esa esencia, aunque con resultados desiguales, y desde entonces la franquicia ha vivido intentos de reinvención que no terminaron de cuajar, como el fallido intento de relanzamiento con Tom Cruise en 2017.
Por eso, La Momia 4 es una oportunidad de recuperar lo que funcionó y adaptarlo a un contexto actual donde el público busca algo más que espectáculo vacío.
La película estará dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, conocidos como Radio Silence, responsables del resurgir de la saga Scream y de títulos como Ready or Not. Este dúo ha demostrado saber moverse muy bien entre el terror, el humor negro y el entretenimiento puro, algo que encaja sorprendentemente bien con el espíritu de La Momia original. Se trata de encontrar ese equilibrio que hizo especial a la saga.
Además, el regreso de Brendan Fraser y Rachel Weisz es una continuación que quiere reconectar con el público que creció con estas películas.
Mover una película de mayo a octubre suele indicar confianza en el producto. Las fechas cercanas a Halloween se han convertido en terreno clave para el cine de género, y colocar ahí La Momia 4 sugiere que el estudio cree que tiene entre manos una propuesta con identidad propia. Además, también reduce la espera en un momento donde la conversación alrededor de grandes franquicias es constante. En un panorama dominado por títulos como nuevas entregas de Marvel o DC, conseguir una ventana más despejada puede ser clave para destacar. Elegir bien la fecha puede marcar la diferencia entre ser un éxito o quedarse a medio camino.
El público actual es mucho más exigente y ya no basta con repetir fórmulas del pasado. La Momia 4 tendrá que ofrecer algo reconocible, sí, pero también aportar una evolución que justifique su existencia más allá de la nostalgia.
El hecho de que la producción arranque en breve indica que el proyecto está más avanzado de lo que muchos pensaban, lo que refuerza la idea de que este adelanto no es improvisado, sino parte de una estrategia más amplia.
Con su estreno ahora fijado para octubre de 2027, todo apunta a que Universal está apostando fuerte por devolver a la saga al lugar que tuvo a finales de los 90. Y si lo consigue, podríamos estar ante uno de esos regresos que no solo funcionan, sino que redefinen lo que viene después

Paris Jackson ha vuelto a marcar distancias con Michael, el biopic sobre su padre, y lo ha hecho con una crítica bastante más dura que un simple desmarque familiar. La hija del cantante sostiene que la película no le resulta honesta y que, aunque leyó uno de los primeros borradores del guion y trasladó su opinión, sus observaciones no fueron incorporadas. Esa es la base de una postura que arrastra desde 2025, cuando ya dejó claro públicamente que no había tenido participación real en el proyecto.
El choque no nace solo de una cuestión de sensibilidad personal, sino también del enfoque narrativo de la película. Colman Domingo, que interpreta a Joseph Jackson, ha defendido estos días que el filme se centra en el ascenso de Michael desde los años sesenta hasta 1988 y que no entra en las controversias posteriores. Nia Long ha respaldado esa idea, insistiendo en que la historia está contada desde la perspectiva del propio artista. Esa delimitación temporal ayuda a entender por qué Paris considera que el resultado puede vender una visión demasiado filtrada de su padre.
"Leí uno de los primeros borradores del guion y di mi opinión sobre lo que me parecía, que es deshonesto, y no me cuadraba, y como no lo corrigieron, seguí adelante. No es asunto mío", explicó. "Una de las principales razones por las que no he dicho nada hasta ahora es porque sé que a muchos les va a gustar, ya que la película complace a un sector muy específico del fandom de mi padre que todavía viven en la fantasía", añadió.
Además, el biopic ha llegado a los cines rodeado de un problema de producción muy serio. Diversos medios estadounidenses han informado de que el proyecto tuvo que reescribir y remontar una parte importante de su tramo final después de descubrirse restricciones legales ligadas a un acuerdo previo con la familia de Jordan Chandler. Según esas informaciones, escenas ya rodadas relacionadas con las acusaciones de abuso quedaron fuera y el filme tuvo que reconfigurarse, algo que explica por qué su relato termina antes de entrar en los años noventa y deja abierta una segunda parte.
"Lo que pasa con estas películas biográficas es que. Al final es Hollywood. Es un mundo de fantasía, no es real. Pero te lo venden como si fuera real", continúa Paris en redes sociales.
Paris Jackson ya en septiembre de 2025 desmintió a Colman Domingo cuando él sugirió que ella había sido "muy útil" en el proceso, y respondió que había tenido "0% de implicación". 
La tensión se ha mantenido incluso este año. En marzo de 2026, algunos medios recogieron nuevas objeciones de Paris al manejo del legado de su padre y al papel del entorno que controla la herencia, incluido John Branca. Mientras tanto, otras ramas de la familia Jackson han cerrado filas con la película y con Jaafar Jackson, que interpreta a Michael, lo que ha acentuado la idea de que el biopic no solo divide a la crítica, sino también al propio ecosistema familiar que rodea al cantante.

Durante comienzos de la década de los 80, Mel Gibson se destacó como uno de los actores más populares del séptimo arte gracias a una serie de interpretaciones que el actor realizó en la industria cinematográfica de su Australia natal, como la trilogía original de 'Mad Max', compuesta por 'Mad Max. Salvajes de la autopista', 'Mad Max 2. El guerrero de la carretera', y 'Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno'; así como otras cintas de gran relevancia como 'Gallipoli' o 'El año que vivimos peligrosamente'.
El éxito cosechado en Australia hizo que el actor desembarcase en Hollywood a finales de la década, donde se afianzó.
No obstante, la popularidad del actor comenzó a caer en picada a comienzos del nuevo milenio. Aunque Gibson ya había protagonizado alguna controversia en los 90 que amenazó con destruir su fama, como la ocasión en la que fue tachado de homófobo por una serie de explosivas declaraciones que tuvieron lugar durante una entrevista con el periódico español 'El País' en 1991, sus problemas de alcoholismo hicieron que el intérprete acaparase los titulares de toda la prensa sensacionalista en el año 2006, tras ser arrestado por conducir bajo los efectos del alcohol y pronunciar una serie de insultos a los policías que llevaron a cabo su detención. 
La actriz Winona Ryder afirmó públicamente que este tipo de conductas eran habituales por parte del actor durante esta época de su vida, y que ella misma tuvo que soportar comentarios antisemitas y homófobos durante una fiesta que organizó en su casa y a la que asistió Gibson.
Sin embargo, el caso que terminó por completo con su reputación tuvo lugar durante su ruptura en julio de 2010 con la cantante y pianista rusa Oksana Grigorieva, quien había sido su pareja durante tres años. Grigorieva denunció al intérprete australiano por violencia de género, y la justicia interpuso una orden de alejamiento. Además, Grigorieva filtró a la CNN una serie de conversaciones telefónicas en las que se escuchaba a Gibson amenazar con quemar su vivienda mientras la cantante permanecía en el interior, y en las que le deseaba que fuera atacada "por una manada de negros".
Más allá de la brutalidad de las palabras que el actor espetó a su expareja, sus terribles declaraciones fueron tomadas por la comunidad afroamericana de Hollywood como una prueba inequívoca de la conducta que el actor había negado en todo momento durante años. 
Sin embargo, Gibson encontró un punto de apoyo en la actriz Whoopi Goldberg, quien salió al paso de estas palabras para dar su visión al respecto: "En mi opinión, Mel Gibson no es racista. Eso no es defenderlo. Lo conozco, he pasado tiempo con él, mi familia también. Me habría dado cuenta si fuera racista. En días de pocas noticias, la gente oye lo que quiere oír. No lo defendí, pero dije que he conocido a racistas de verdad y él no es uno de ellos. Simplemente es un cabeza hueca."

La historia entre Ben Affleck y Jennifer Lopez sigue produciendo capítulos que parecen escritos para una revista del corazón, aunque el tono ya no sea el del reencuentro romántico de 2021 ni el de la boda tardía que alimentó la fantasía de Bennifer 2.0. Ahora los ojos miran hacia una propiedad gigantesca de Beverly Hills que ambos compartieron y que terminó convertida en una carga difícil de vender y todavía más difícil de separar.
La mansión, comprada en mayo de 2023 por 60.85 millones de dólares, salió al mercado en julio de 2024 con una aspiración ambiciosa de 68 millones. Luego llegó una rebaja, más tarde otra retirada del mercado, y todos se preguntaron qué iba a pasar con una casa demasiado cara y demasiado ligada a un matrimonio que ya había terminado legalmente en enero de 2025.
La pieza que volvió a poner el tema en circulación surgió a partir de documentos judiciales. De acuerdo con esos reportes, Affleck modificó el acuerdo patrimonial con Lopez y le transfirió la totalidad de su participación en la mansión. Además del traspaso, lo que más llama la atención es la versión de que lo hizo sin recibir pago por esa parte del inmueble.
Los documentos, firmados entre el 31 de marzo y el 1 de abril de 2026, dejan a Lopez como responsable única de los costos relacionados con una futura venta. La casa, además, seguía sin comprador pese a los meses de exhibición pública y al ajuste del precio
Lopez seguía utilizando la propiedad mientras avanzaban obras en otra residencia, y la mansión ya se había convertido en un tema muy complicado para ambos. En vez de prolongar una copropiedad incómoda, Affleck habría preferido desprenderse de ella por completo. El actor, además, atraviesa un momento financiero sólido tras la venta de su empresa InterPositive a Netflix, una operación anunciada oficialmente por la plataforma y sobre la que Bloomberg reportó una cifra de hasta 600 millones de dólares.
Nada de esto cambia un hecho que Affleck dejó claro en marzo de 2025. El actor insistió en que detrás de la ruptura no había "escándalo", "chisme" ni una gran intriga, solo dos personas tratando de entender su vida.

Durante una reciente conversación televisiva, Scarlett Johansson volvió la mirada hacia los primeros años de su carrera para describir un contexto que hoy parece lejano, pero que definió a toda una generación de actrices. La intérprete, que saltó a la fama siendo muy joven, habló sobre las condiciones en las que muchas mujeres iniciaban su trayectoria en Hollywood, donde la exposición pública venía de la mano con una presión abrumadora sobre la imagen y el tipo de papeles disponibles.
Johansson explicó cómo fue su tiempo en Hollywood siendo tan joven. "Fue una época realmente dura", dijo al referirse a esos años en los que el escrutinio sobre las mujeres era habitual en el espectáculo. La protagonista de Viuda Negra dijo que se "volvió socialmente aceptable" que las actrices fueran desmenuzadas públicamente por su apariencia. Esa normalización del juicio afectaba la percepción externa y moldeaba la manera en que se construían sus carreras.
Johansson agregó que en ese período las decisiones sobre casting, promoción y permanencia dentro del medio pasaban en gran medida por ese filtro. La actriz recordó que las oportunidades para mujeres de su edad eran limitadas, lo que reducía aún más el margen para elegir proyectos con profundidad. "Te encasillabas mucho", señaló al aludir a la repetición de roles que giraban en torno a figuras como "la otra mujer", "la secundaria" o la "hermosa". No se trataba de excepciones, sino de un patrón que definía las trayectorias iniciales de muchos intérpretes.
Johansson recordó que, al comenzar a trabajar, apareció el temor de no ser contratada después. "Realmente sientes que cada trabajo va a ser el último", explicó, al describir la urgencia que empuja a aceptar papeles.
"Si tenías oportunidades, sentías que tenías que seguir aceptándolas. Aunque no fueran tan variadas como los trabajos que realmente te gustan. Todo actor se siente así porque es una industria muy competitiva, y creo que una vez que tienes los reflectores encima, quieres que sigan ahí. Es el instinto, creo, de un actor joven, o de cualquier actor."
Johansson confesó que aprender a detenerse y esperar mejores oportunidades fue un proceso lento, repleto de competencia y marcado por la necesidad de permanecer visible. El teatro en Nueva York le permitió tomar distancia de ese modelo y repensar su relación con la actuación.
En sus primeros años, títulos como La Isla, Perdidos en Tokio, La Marca Perfecta o La Provocación la colocaron dentro de una imagen asociada a la juventud enigmática o seductora, papeles que, aunque distintos entre sí, estaban anclados a una percepción específica de su figura.
Sin embargo, su carrera emigró hacia territorios muy distintos. Películas como El Gran Truco, Jojo Rabbit, Historia de un Matrimonio y Asteroid City rompen ese molden que la mantuvo algo encasillada durante sus veintes.
La consolidación de Johansson dentro de la industria también se visibiliza en su posición económica. Gracias a su trabajo en Hollywood, la actriz se convirtió en una de las mejores pagadas en la industria, con una fortuna de aproximadamente 165 millones de dólares.

La noticia sacudió este martes al mundo del cine argentino: Luis Puenzo, guionista, director, productor y figura central de la cultura nacional, murió en Buenos Aires a los 80 años. La confirmación llegó a través del comunicado oficial de Argentores, la entidad que nuclea a autores cinematográficos: "Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció hoy, en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años de edad. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento." Las palabras, secas y sinceras, sellan el final de una vida dedicada a contar historias y a pelear por la memoria en la pantalla grande.
El nombre de Luis Puenzo quedó grabado en la historia grande del cine argentino, sobre todo desde 1985. Ese año, su película La historia oficial encendió por primera vez los proyectores y nada volvió a ser igual. No era solo cine: era un espejo. Rodada en un clima de miedo, bajo amenazas, cuando todavía retumbaban los ecos de los represores y no se sabía hasta dónde podía llegar el peligro, la película llegó al público apenas dos años después del regreso de la democracia. 
La historia oficial se convirtió en bandera. No solo por lo que contaba, sino por cómo lo hacía: la tensión flotaba sin necesidad de golpes bajos ni violencia explícita. Bastaban las miradas, los silencios, la fragilidad de Norma Aleandro metida en la piel de Alicia, una profesora de historia que comenzaba a dudar de todo. El final sigue dejando sin aliento: Alicia enfrentando a su esposo, escapando de su casa, mientras Gaby canta sola "En el país de Nomeacuerdo". Un tema infantil convertido en símbolo de la identidad robada. Lo que pocos sabían entonces era que el rodaje había empezado en 1983, con la dictadura todavía en el poder, el equipo reducido y el temor recorriéndolo todo. Algunos actores recibieron amenazas, pero siguieron adelante. Estrenaron dos años después, cuando ya la democracia intentaba sanar heridas abiertas.
El impacto fue inmediato y mundial. Al año siguiente, La historia oficial ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera, el primero para el cine argentino. Puenzo subió al escenario y dijo, con voz firme: "Aceptando este honor, no puedo olvidar que otro 24 de marzo, hace diez años hoy, sufrimos el último golpe militar. Nunca olvidaremos esa pesadilla, pero ahora estamos empezando ahora a dar comienzo a nuestros nuevos sueños". 
La película también ganó el Globo de Oro, el Cóndor de Plata y fue premiada en Cannes. Puenzo y su coautora, Aída Bortnik, recibieron además la nominación al Oscar al Mejor Guion Original.
Además de cineasta, Puenzo fue un activo defensor de la industria audiovisual argentina. En 1994 participó en la redacción de la Ley de cine (ley Nº 24.377/94), que dio autarquía y financiamiento al INCAA. Fue uno de los fundadores de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina en 2004 y, entre 2019 y abril de 2022, presidió el INCAA.
Cuarenta y un año después del estreno de La historia oficial, la búsqueda de la verdad que abrió la película sigue viva. El film dejó nombres, cuerpos y heridas en la memoria colectiva. Alicia, Gaby, las miradas y los silencios. Lo que alguna vez fue peligroso nombrar, hoy es parte fundamental de la historia argentina y del legado de Luis Puenzo.

La precuela de Ocean's ya ha dado su paso más importante hasta la fecha. Después de meses de rumores y varios cambios en el desarrollo del proyecto, Warner Bros. ha confirmado que Bradley Cooper será finalmente el encargado de escribir, dirigir y protagonizar la película junto a Margot Robbie, que además la producirá a través de su compañía LuckyChap.
El anuncio supone una sacudida importante para una producción que en los últimos tiempos había atravesado bastantes dudas. El proyecto había estado ligado recientemente a Lee Isaac Chung, pero su salida por diferencias creativas obligó al estudio a buscar una nueva fórmula. Ahora, con Bradley Cooper al frente en casi todos los frentes creativos, la película parece haber encontrado por fin una dirección clara. El estreno ya tiene incluso fecha cerrada: 25 de junio de 2027.
Durante la presentación en Las Vegas, la propia Margot Robbie apareció en vídeo para ofrecer algunos detalles sobre el planteamiento de la historia. La actriz explicó que la película viajará al pasado para contar una gran operación ambientada en el Gran Premio de Mónaco de 1962. Y, sobre todo, dejó caer el gran gancho argumental: antes de que Danny Ocean se convirtiera en el maestro del atraco que conocimos en la saga moderna, fueron sus padres quienes le enseñaron todo lo que sabía. Todo apunta, por tanto, a que Margot Robbie y Bradley Cooper interpretarán a los progenitores del personaje inmortalizado por George Clooney.
La franquicia Ocean's arrancó en su versión moderna en 2001 con 'Ocean's Eleven (Hagan juego)', la revisión dirigida por Steven Soderbergh del clásico de 1960 protagonizado por Frank Sinatra y el Rat Pack. Aquella película dio pie a una trilogía de enorme éxito con nombres como George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts y Matt Damon, antes de cerrar esa etapa con 'Ocean's Thirteen' en 2007. Años después llegó también el 'Ocean's 8', liderado por Sandra Bullock y Cate Blanchett .
La nueva película busca ahora abrir otra puerta dentro de ese universo, pero sin limitarse a repetir la fórmula. El hecho de situarla en los años 60 y de conectarla con la familia de Danny Ocean sugiere una apuesta más marcada por el glamour clásico, el gran atraco de época y la reinvención del mito original. También confirma el deseo de Warner de seguir exprimiendo una de sus marcas más reconocibles, pero con una identidad propia.
Para Bradley Cooper, el proyecto supone además consolidarse todavía más como cineasta. Tras haber firmado títulos como 'Ha nacido una estrella', 'Maestro' y 'Is This Thing On?, la precuela de Ocean's se perfila como su siguiente gran movimiento detrás de la cámara. A diferencia de sus anteriores trabajos, aquí se enfrenta a una franquicia muy conocida, con el reto añadido de respetar su herencia sin quedar atrapado en ella.
En el caso de Margot Robbie , la película confirma de nuevo su intención de combinar grandes papeles con una presencia cada vez más fuerte en la producción. LuckyChap lleva años convirtiéndose en una de las compañías más activas de Hollywood, y esta precuela encaja perfectamente en ese modelo: una gran propiedad intelectual, un fuerte atractivo comercial y un enfoque con personalidad suficiente para diferenciarse.

"No le tengo miedo a la muerte. Sé que a todos nos va a tocar, pero admito que irme me daría mucha lástima". Esta reflexión compartida por Luis Brandoni sintetizó su mirada serena ante el paso del tiempo y la cercanía del final. Figura central del teatro argentino, Brandoni, que estaba internado en la terapia intensiva del Sanatorio Güemes, murió este lunes a los 86 años, por un hematoma provocado por una caída en su casa. Al irse, deja una huella profunda en la cultura, el gremialismo y la vida pública del país. La triste noticia la confirmó Carlos Rottemberg: "Murió Luis Brandoni. Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario. Hoy es un día muy triste para nuestra cultura".
Fue actor, dirigente sindical y militante político. Nacido como Adalberto Luis Brandoni el 18 de abril de 1940 en Dock Sud, Buenos Aires, consolidó una trayectoria de más de seis décadas en el arte y la política argentina. Su legado abarca desde clásicos del cine argentino hasta la defensa de los derechos laborales, marcando a varias generaciones de colegas, espectadores y militantes.
La infancia de Brandoni transcurrió en el seno de una familia trabajadora, en un barrio obrero que moldeó sus valores. Sus padres fueron José Domingo, empleado bancario y presidente del Club Sportivo Dock Sud, y Luisa Valentina Emiliani, ama de casa. El barrio de Dock Sud le enseñó a convivir con la diversidad, experiencias que forjaron su carácter y sensibilidad social. De aquellos años evocaba el silbido de su madre llamándolo a casa y la emoción de descubrir el cine argentino en las salas barriales, donde admiró a figuras como Pepe Arias y Olinda Bozán. Sus éxitos más icónicos incluyen películas como Esperando la carroza (1985), La Patagonia rebelde (1974), Made in Argentina (1987) y, más recientemente, La odisea de los giles (2019) y El cuento de las comadrejas (2019).

El fenómeno de Super Mario Galaxy ha sido contundente. En apenas unas semanas desde su estreno en abril, la nueva adaptación de Nintendo e Illumination, ya ha alcanzado los 641 millones de dólares (641.636.060), colocándose directamente como la película más taquillera de 2026 hasta ahora. Y lo más llamativo no es la cifra, sino la velocidad a la que ha llegado.
Porque esto no es simplemente un buen arranque. Es una señal clara de que la marca Mario sigue funcionando como un motor imparable en cines, incluso después del enorme éxito de Super Mario Bros. (2023). La gran pregunta ahora no es si va a seguir recaudando, sino hasta dónde puede llegar. y qué significa realmente este éxito.
El dominio de Super Mario Galaxy en este inicio de 2026 no deja lugar a dudas. Con esos 641 millones de dólares ha superado a títulos que parecían bien posicionados en el mercado internacional, y ha demostrado tener un tirón global real, algo que no es tan fácil de replicar. La película china, centrada en el mundo de las carreras, sigue a Zhang Chi y su equipo en el Rally Muchen 100, donde además de la competición se enfrentan a intrigas personales y conflictos que ponen a prueba su integridad. Una historia sólida dentro de su mercado, pero sin el alcance internacional de Mario.
Por detrás, el ranking de taquilla lo completan producciones como Proyecto Salvación, con 533 millones aún en cines, seguida de Hoppers con 355 millones y Cumbres Borrascosas con 241 millones. Pero ninguna de ellas ha tenido ese efecto de fenómeno inmediato que sí ha logrado Nintendo.
Hay nostalgia, pero también hay una evolución clara en la forma de contar su historia. La película amplía el universo que ya conocíamos y lo lleva directamente al terreno espacial, introduciendo elementos que conectan con uno de los juegos más queridos de la saga.
Super Mario Galaxy no se limita a repetir fórmula, sino que expande su narrativa con una ambición que conecta directamente con el lore del videojuego.
El desarrollo de la película introduce elementos que, para quien conoce la saga, tienen bastante peso. La relación entre Rosalina y Peach, por ejemplo, añade una dimensión emocional que no estaba tan presente en la película anterior, y que conecta con la idea de un universo más cohesionado.
Aunque ahora mismo lidera la taquilla, es poco probable que Super Mario Galaxy termine el año como la película más taquillera. No porque no funcione, sino porque lo que viene es, directamente, otra liga.
En los próximos meses llegarán títulos como Spider-Man: Brand New Day, Dune: Part Three, Toy Story 5 o Vengadores: Doomsday. Sin olvidar propuestas como la nueva película de Christopher Nolan, La Odisea, que siempre juega en otra categoría en términos de impacto.
Además, siempre hay espacio para sorpresas como Minions & Monsters o el regreso de Masters of the Universe, que podrían alterar el ranking en cualquier momento.
El rendimiento de Super Mario Galaxy no es solo una buena noticia para Nintendo. Es un indicativo de cómo están funcionando las adaptaciones de videojuegos en el cine actual.
Durante años, este tipo de proyectos eran una apuesta arriesgada. Ahora, se han convertido en uno de los pilares de la industria. Y lo interesante es que ya no basta con adaptar, hay que expandir universos, generar continuidad y construir algo que tenga recorrido más allá de una sola película.
En ese sentido, Super Mario Galaxy funciona como una pieza clave. No solo consolida el éxito de Mario en la gran pantalla, sino que abre la puerta a un modelo similar al de Marvel o Star Wars, pero con el sello Nintendo.
Y eso cambia bastante las cosas. Porque si esta tendencia continúa, lo que estamos viendo ahora podría ser solo el inicio de un universo cinematográfico mucho más amplio.

Después de años de rumores, por fin es oficial que la tercera película de Top Gun ya está en desarrollo. El productor Jerry Bruckheimer confirmó la noticia durante la presentación de Paramount en CinemaCon. Si bien aún no es un hecho, se espera que Tom Cruise retome el papel de Pete Mitchell, también conocido como Maverick. 
Las primeras noticias sobre la siguiente entrega de la franquicia llegaron en 2024. La publicación estadounidense reveló que Joseph Kosinski retomaría el rol de director después de haber comandado la producción de Top Gun: Maverick. Ehren Krueger también estará de regreso como guionista después de haber colaborado con Eric Warren Singer y Christopher McQuarrie en la anterior cinta. 
A pesar de las limitaciones por el COVID-19, Top Gun: Maverick se convirtió en la película más exitosa en la carrera de Tom Cruise. El largometraje logró generar $1.500 millones de dólares en la taquilla global. Su costo de producción fue de únicamente $170 millones, lo que no solo le dio mucho dinero al estudio, sino también a los cines que aún no se recuperaban del impacto de la pandemia. 
La película original de Top Gun vio la luz en 1986. Tom Cruise retomó su papel como Maverick casi 36 años después para participar en la secuela. En ella, el protagonista se vio forzado a regresar a la escuela de pilotos, ahora como instructor. La cinta contó con la participación de Miles Teller como Bradley "Rooster" Bradshaw, hijo de "Goose", a quien Anthony Edwards interpretó en la primera entrega. También tuvo a Glen Powell en uno de sus primeros papeles de alto calibre. 
El productor Jerry Bruckheimer también se encuentra detrás de la secuela de F1: La película, de la cual aún no se conocen muchos detalles. La primera entrega, protagonizada por Brad Pitt, logró recaudar más de $624 millones de dólares.

Adria Arjona se incorporará oficialmente al nuevo universo cinematográfico de DC (DCU) tras ser elegida para interpretar a Máxima en la secuela de Superman: Man of Tomorrow, proyecto escrito y dirigido por James Gunn.
El anuncio llega luego de especulaciones en redes sociales que vinculaban a Arjona con el papel de Mujer Maravilla, versiones que fueron descartadas por el propio Gunn en una entrevista. El realizador explicó que sigue a la actriz en redes desde hace años y que ese gesto fue malinterpretado por los seguidores, aunque destacó que sería una buena opción para ese personaje.
Asimismo, el director recordó que ya había trabajado con Arjona en The Belko Experiment, lo que consolidó una relación profesional previa. "Somos amigos y nos conocemos desde entonces", señaló.
Finalmente, la producción optó por asignarle el rol de Máxima, una reina alienígena que en los cómics ha sido representada tanto como antagonista como potencial interés romántico de Superman, lo que anticipa un papel relevante dentro de la historia.
La actriz participó en pruebas junto a otras candidatas finalistas, entre ellas Eva De Dominici, Sydney Chandler y Grace Van Patten. El acuerdo con Arjona se encontraba en etapa final mientras la producción iniciaba en Atlanta. El estreno está previsto para julio de 2027.
Arjona es reconocida por su participación en Andor, donde ha tenido un papel destacado dentro del género de ciencia ficción. Su trayectoria incluye además películas como Hit Man, Father of the Bride y Blink Twice, entre otros proyectos.
El elenco de Superman: Man of Tomorrow estará encabezado por David Corenswet como Superman y Nicholas Hoult como Lex Luthor. En esta entrega, ambos personajes deberán enfrentar una amenaza mayor: Brainiac, un villano de inteligencia superior interpretado por Lars Eidinger.
El reparto se completa con Rachel Brosnahan como Lois Lane, Skyler Gisondo como Jimmy Olsen, Sara Sampaio como Eve Teschmacher, Isabela Merced como Hawkgirl, Nathan Fillion como Guy Gardner, Edi Gathegi como Mister Terrific y Aaron Pierre como John Stewart.
El proyecto forma parte de la nueva etapa del universo DC bajo la dirección creativa de James Gunn. En este contexto, Jason Momoa también continuará vinculado a la franquicia, aunque en un nuevo rol: tras interpretar a Aquaman, asumirá el personaje de Lobo en la película Supergirl, cuyo estreno está previsto para junio.

Más de mil escritores, actores y directores de cine y televisión manifiestan preocupación por la posible compra de Warner Bros. Discovery por parte de Paramount, advierte una carta difundida este lunes y destacada por el medio The New York Times. Los firmantes, entre quienes están Bryan Cranston, Joaquin Phoenix, Tiffany Haddish, Lily Gladstone y Yorgos Lanthimos, recalcan que la fusión de dos de los estudios más grandes de Hollywood agravaría la crisis que vive actualmente el entretenimiento en Estados Unidos y en otras regiones.
En la carta, los creadores expresan que fusionar ambas compañías provocaría "menos oportunidades para creadores, menos trabajos a lo largo del ecosistema de producción, costos más altos y menos opciones para el público en Estados Unidos y en el mundo". El documento subraya lo que denominan un "descenso abrupto en el número de películas producidas y estrenadas, junto con un estrechamiento en el tipo de historias que se financian y distribuyen".
Entre las declaraciones más rotundas, el grupo firmante alerta: "Cada vez menos entidades poderosas deciden qué se produce y con qué condiciones, dejando a creadores y empresas independientes con menos caminos viables para sostener su labor"
La carta aparece meses después de que Paramount y su director general David Ellison lograran vencer a Netflix en la puja por obtener Warner Bros. Discovery mediante una compra valuada en USD 111.000 millones. 
Ellison defiende la operación; plantea que la unión beneficiaría a la comunidad creativa y se comprometió a estrenar al menos 30 películas en salas cada año, además de reforzar las inversiones en ambos estudios. También alega que, de haberse realizado con Netflix, la operación habría generado una plataforma de streaming con el doble de tamaño que su competidor más próximo.
No obstante, los artistas insisten en que la consolidación amenaza la diversidad de contenidos, la competencia en la industria y la supervivencia para productores independientes. La petición fue coordinada por la Committee for the First Amendment, liderada por Jane Fonda; el Democracy Defenders Fund, de Norm Eisen; y la Future Film Coalition, agrupación de cineastas independientes.
El acuerdo de Paramount con Warner Bros. Discovery podrá completarse este mismo año, siempre que reciba el visto bueno de los accionistas y las autoridades regulatorias. La propia Paramount asegura no prever "impedimentos significativos para cerrar la operación" en Estados Unidos, y confirma que países como Alemania y Eslovenia ya han otorgado su autorización.
Sin embargo, representantes de la exhibición y funcionarios estatales en California muestran inquietud. Michael O'Leary, director ejecutivo de Cinema United, organización que integra 30.000 salas de cine en Estados Unidos, declara para The New York Times que rechaza la compra. Advierte que "cualquier reducción en la producción de películas podría derivar en el cierre de más cines".
Por su lado, Rob Bonta, fiscal general de California, puntualiza que la adquisición "no es un hecho consumado", aunque duda que el gobierno federal realice un control exhaustivo. El propio Bonta es instado en la carta a mantener la vigilancia sobre la operación; el colectivo afirma estar listo para apoyar iniciativas que "garanticen un futuro dinámico para nuestra industria".
El pronunciamiento colectivo cierra con una consigna: "La competencia es esencial para una economía sana y una democracia vigorosa. Lo mismo ocurre con la regulación y la aplicación de leyes. La concentración de medios ya ha debilitado una de las industrias globales más influyentes de Estados Unidos, la cual ha modelado la cultura y conectado a personas en todo el mundo".